El paisaje, consejos para fotógrafos.

Otra vez me han dado ganas de visitar la ciudad luz, París. No que ya lo haya hecho, pero sigue estando en mi lista de deseos, solo que nuevamente me dieron ganas de ir a tomar fotos por allí.

¿Cuantas veces has deseado salir -cámara en mano- a un lugar de tu agrado para recoger algunas postales hechas por ti mismo a una localización que te resulta atractiva y deseable. No la podrás conquistar ni poseer, pero la podrás llevar para siempre entre tus recuerdos gracias a unas buenas fotografías de paisaje. Si deseas desarrollar esta habilidad descubrirás que debes ser paciente, y ser un buen observador; ver lo que los demás no vieron al pasar por allí. Muchas increíbles imágenes son el resultado de regresar a una ubicación una y otra vez hasta que tenga las mejores condiciones posibles. Mientras observamos un paisaje con nuestros propios ojos -los ojos y el cerebro-poseen la capacidad de ignorar todo, excepto los detalles más atractivos. Las lentes y los sensores digitales no pueden hacer ésto por sí mismos. Ellos necesitan un poco de nuestra ayuda.

Paciencia y observación

La fotografía de paisajes consiste en la representación de un gran espacio natural o de una parte específica de un país. Nos muestra espacios dentro del mundo, a veces vastos e interminables, pero otras veces lugares microscópicos. Las fotografías de paisajes generalmente capturan la presencia de la naturaleza, pero también pueden enfocarse en características hechas por el hombre o alteraciones de los paisajes.

A unos pocos meses de su lanzamiento público, la fotografía, el óptico fracés  Nöel Lerebuors organizó y envió a un equipo de fotógrafos por todo el mundo a fin de captar imágenes y construir la colección de 114 paisajes de Excursiones daguerrianas(Excursions Daguerriennes, représentant les vues et les monuments les plus remarquables du globe). La primera imagen hecha como un daguerrotipo era un paisaje rural que se llamó "Vista desde la ventana de Gras" elaborada por Nicéphore Niepce en 1826.

Vista desde la ventana de Gras

De manera que hoy vamos a platicar de un tema, que en sí mismo, es una constante que inspira a muchos, y al que casi nadie puede resistirse. Hay varios tipos de fotografía paisajista. Vamos a distinguir algunos tipos de ésta, y debemos empezar por uno de los mayores representantes del paisaje.

Paisaje romántico: Es probablemente el estilo más practicado. Se basa en fotografías en las que se suele introducir una cierta cantidad de difuminado y una iluminación posterior. También es muy habitual la utilización de un ISO alto, y un enfoque poco profundo. Uno de los principales fotógrafos de este estilo fue Ansel Easton Adams (1902-1984), con una amplia obra y grandes aportes técnicos a este tipo de registro fotográfico. Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros entre ellos Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham, y creó el sistema de zonas.

Paisaje descriptivo: No tiene tantos elementos concretos como el estilo romántico. Lo que más destaca de este tipo de fotografía de paisajes es una cuidada composición y una atención extrema al detalle. Se caracteriza por no incluir ningún tipo de manipulación de forma que se registre la realidad de la forma más fiel posible. Pertenece al campo de la fotografía sin ningún tipo de artificio (Directa), en el que destaca la labor de Edward Weston (1886-1958). Weston acudía a las bases de la Fotografía Directa. Los fotógrafos que siguieron esta nueva tendencia capturaban imágenes en exteriores con breves tiempos de exposición. Además permitían que sus modelos posasen por sí mismos, a diferencia de las forzadas posturas de la fotografía pictorialista. En estas fotografías no había intervenciones en el laboratorio, revelado, ni a nivel compositivo. Siempre debía visualizarse previamente el resultado final, se suma a f/64 comienza a trabajar también con una serie de técnicas que eran obligatorias para todos sus integrantes. Se formuló una estética de fotografía nítida enfocada en cada detalle impreso por contacto en papel brillante, blanco y negro, para finalmente ser montada en una superficie blanca. La fotografía debía de ser exclusivamente de la realidad y no debía estar manipulada de ninguna manera. En sus fotografías, los artistas de f/64 buscaban amplia profundidad de campo y realismo, además prestaban especial atención al control de las zonas.

Estilo gráfico/abstracto: Se trata de un estilo en el que se intenta reducir el paisaje a algo simple, llegando incluso en ocasiones al minimalismo. Consiste en extraer la esencia gráfica de una escena de la mejor forma posible. Se precisa de cierta pericia visual para conseguir buenas fotografías de paisajes gráfico/abstractas.

Paisaje ambiental: Surge como método de protesta contra la degradación del medio ambiente a causa de la contaminación. Esta se basa principalmente por los aportes de las sociedades Sierra Club y Audubon Society, en cuyas publicaciones encontramos fotografías de paisajes de una gran belleza, que se utilizan para hacer pensar sobre la posibilidad de que algo así se pierda. Existe una variante, en la que se muestran paisajes desolados, destruidos a causa de la contaminación o de la acción humana. Uno de los máximos exponentes ha sido Robert Adams (1937-). Una de sus series más conocidas aparecen publicadas en el año de 1974 con el título The New West: Landscapes along the Colorado Front Rage (El nuevo Oeste: Paisajes a lo largo del Colorado Front Rage).

Paisaje controlado: Los paisajes urbanos normalmente se fotografían iluminados por fuentes de luz natural. En este tipo de paisaje, se suelen fotografiar con fuentes de luz artificiales por lo que frecuentemente se realizan las tomas de noche.

Otros especialistas en paisajes, hablan de subtemas dentro de la fotografía paisajista; montaña, mar, zonas áridas, zonas de tierra húmeda, estaciones del año, día soleado, día nublado, día lluvioso, amanecer, atardecer, nocturno, etc. Algunas cosas que hay que tener en mente siempre, como las reglas de composición visual que organizarán la historia que estás a punto de narrar. La ley de los tercios, la zona áurea, la simetría, la curva de la belleza, entre otras. Cuida la profundidad de campo, la nitidez de la imagen y el sweet spot.

Crepúsculos. La calidad de la luz del sol tendrá variaciones a los largo del día, el tono dominante de la luz va a variar en la medida que avanza el día. La luz del final de la madrugada, esa luz -que temerosa surge- antes que veamos el sol sobre el horizonte lo llamamos el crepúsculo náutico, y seguido de ésta viene la hora azul, en nuestra zona del mundo tiene una duración de cerca de 8 minutos, y es seguida de la hora dorada que dura cerca de 40 minutos, incluido el amanecer, esto no es constante, va a variar todo el año. Por las tardes, cuando ya se acerca la noche volveremos a experimentar una nueva hora dorada antes que el sol se oculte bajo el horizonte, y dura cerca de 30 minutos incluido el atardecer. Mientras la hora azul del atardecer viene a tener una duración de menos de 10 minutos. La hora azul posee una dominante de tono frió, mientras la hora dorada tiene una dominante de tono cálido. Prueba -colocando el balance de blancos WB en 5500K- así las dominantes van a sobresalir, dramatizando los tonos buscados. Si lo que gustas es de la precisión al máximo te comparto un listado más completo, en base a la inclinación del sol con respecto al horizonte:

Durante el amanecer civil tenemos:

Amanecer (de -18º a 0º)

Amanecer astronómico (de -18º a -12º)

Amanecer náutico (de -12º a -6º)

Amanecer civil (de -6º a 0º)

Durante el amanecer civil tenemos:

Hora azul (de -6º a -4º)

Hora dorada (de -4º a 6º)

Día (por encima de 6º)

Anochecer (de 0º a -18º)

Anochecer civil (de 0º a -6º)

Durante el anochecer civil tenemos:

Hora dorada (de 6º a -4º)

Hora azul (de -4º a -6º)

Anochecer náutico (de -6º a -12º)

Anochecer astronómico (de -12º a -18º)

Noche (por debajo de -18º)

Scouting: Selecciona un día, una hora y comprueba "el tiempo" con alguna aplicación de tu teléfono, para tomar tus fotografías. Usa el GPS (Google maps) para guardar la localización de tus sitios favoritos. Resulta muy común que vayas caminando por algún lugar y descubras paisajes maravillosos para fotografiar, pero justo ese día no llevas contigo el equipo fotográfico. No pasa nada. El GPS será una herramienta muy valiosa, a partir de ahora.

Durante las mañanas tenemos -generalmente- presión atmosférica alta, esto favorece el hecho de que no haya nubes ni lluvia. Después de que el sol calienta la atmósfera, tendremos algo de baja presión, y podrán llegar nubes y también caer lluvia. Selecciona bien el mejor horario para tus fotos. En las mañana el sol iluminará tu paisaje de este a oeste, y por las tardes de oeste a este. Al mediodía el sol estará sobre tu cabeza y caerá perpendicularmente.

El equipo fotográfico: Cámara, trípode, filtros degradados o de densidad neutral, mochila (sin logotipos de marcas de fotografía, por seguridad) son algunas de las cosas básicas. Un día antes de tu salida recarga la batería de la cámara para tenerla llena de energía. Recuerda que las fotografías de larga exposición y, más aún, cuando son nocturnas consumen mucho la batería, trípode liviano y portable.

Otros: Una gorra, calzado para exterior, cuerda, navaja, encendedor, lámpara de mano.

Para que el cielo muestre suficiente luminosidad y variaciones de tonos, utiliza una sensibilidad de ISO 400, o si su cámara es Full Frame de gama alta pruebe con ISO:1200 evitando captar ruido digital.

El tipo de archivo que mejor viene en estos proyectos es el archivo crudo o archivo RAW.

Debes tener siempre algún propósito en mente, sin importar que este cambie ante una increíble oportunidad no esperada. Toda buena foto debe tener un centro de interés. Selecciona uno dentro de tu paisaje. Puede ser la cumbre de una montaña, una roca, un árbol, una silueta, algo que ayuda a narrar una historia. En las fotos de paisajes, el fondo sí importa, y mucho. Observa sobre tu cabeza -analiza el cielo- es otro de los puntos de interés a considerar a la hora de organizar la composición visual de nuestra próxima foto.

Las líneas -y sus significados- son un recurso compositivo que nos permite guiar la mirada del observador de la foto, marcando el recorrido que deben hacer para ver la imagen. Gracias a las líneas diagonales que se reúnen en un mismo punto podemos dar a la imagen la sensación de profundidad y destacar la escala, el tamaño, y hasta ser el centro de interés de la fotografía.

La línea del horizonte. Aunque el paisaje parezca algo estático, es muy importante saber leer y capturar su movimiento que se pueda producir a nuestro alrededor puede añadir a la imagen sentimiento o drama, y crear en sí mismo un centro de interés.

El sujeto del paisaje bien pudiera ser el agua con movimiento, el bosque, las llanuras y praderas, desiertos, las costas y playas, y las montañas o cordilleras.

El centro de interés. Bien puede ser un tronco de árbol ligeramente diferente, un camino sinuoso o un toque de color en un árbol frutal, sea lo que sea, organiza la composición de tal manera que conduzcas al espectador hasta allí. Busca rayos de luz que penetren entre las hojas y ramas o un punto en el suelo del bosque directamente iluminado por el sol. Observa cuidadosamente los reflejos en el agua. Puedes aprovechar algunos reflejos para mejorar la imagen; los colores de las hojas de otoño reflejadas, verifica que no sean un distractor. Es posible que tengas que moverse un poco para incluirlos o eliminarlos, o regresar cuando el sol esté en otra posición. Usa filtro polarizador para eliminar parte de la reflexión y aumentar el contraste; gíralo hasta que tenga el efecto que desea. Al igual que cada bosque, cada llanura tiene su propia personalidad, así que busca hasta encontrar un ángulo y una composición que lo reflejen. Mientras observas, medita en esto ¿Cuál es la característica más importante de este lugar en particular? Piensa en el cielo ¿Quieres mucho o un poco cielo? Un cielo azul claro podría reflejar mejor el carácter de una llanura, una tormenta, etc. Si el cielo es muy importante, coloca el horizonte a lo largo de la tercera división inferior del marco. Si no es así, colócalo a lo largo del tercio superior. Una vez que hayas pensado en ese personaje de la orilla, busca elementos que pueda usar para reforzar la sensación que busca. Las palmeras son un buen marco para una playa tropical; un chorro de agua que se dispara sobre las rocas agrega drama a una accidentada escena costera. Como en el desierto, ten cuidado con la arena. Si hace viento, asegúrese de proteger su cámara y lentes de la arena que sopla. No abra la cámara a menos que se encuentre en un área bien protegida. ¿Son las montañas que estoy fotografiando rugosas o gastadas, amenazadoras o encantadoras? ¿Qué sentimiento percibes de éstas? Busca elementos que refuercen su sentimiento y lo transmitan al espectador. ¿Qué composición, ángulo, luz y clima parecen más apropiados? Busca también los detalles reveladores que reflejan el espíritu de las montañas. Sigue esforzándote, quizá en poco tiempo veamos tus fotografías como portada de alguna prestigiosa revista de geografía o biología.

Te deseo éxitos en tu próximo viaje o foto tour.

Qué estés bien,

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger. Síguenos en Facebook.

Balance de blancos.

¿Ha notado como el amanecer despliega increíbles colores en el horizonte, ha disfrutado del juego de tonos que trae entre manos el atardecer, o bien se ha cobijado bajo el azul de la luz de la luna? Esos colores suelen bañar todo a su alrededor, cubren todo a su paso. La luz posee algunos atractivos tonos o dominantes que a veces serán bienvenidos y otras veces no lo serán tanto.

Los fotógrafos sabemos que cuando entramos a un lugar (localización interior) o bien al salir a una localización exterior a cielo abierto, ésta suele estar dominada por una única -o por varias fuentes lumínicas mezcladas- cada fuente lumínica (natural o artificial) posee una calidad o temperatura de luz diferente, y cada temperatura de luz a su vez posee una "dominante" o tono particular también conocido como espectro, éste bien puede ser un tono verdoso, un tono anaranjado, un tono amarillo, o uno azulado. La luz no solo se caracteriza por su brillo e intensidad, sino también por su color. El color de la luz está determinado por su temperatura, que se mide en grados Kelvin(K). La escala Kelvin fue desarrollada por el físico y matemático británico William Thomson, Lord Kelvin, en el siglo XIX. 

Iconos de cámara Canon para seleccionar el Balance de blancos.

Las fuentes de luz según su temperatura pueden organizarse en luces de tungsteno o incandescentes, luces fluorescentes, luces HMI, luz de sol, luz de flash, nublado, en la sombra, u otras. Nuestro ojo suele adaptarse en cosa de pocos segundos a cambios de luz en el ambiente o entorno, pero nuestra cámara de fotografía digital o de vídeo va a necesitar de nuestro análisis previo, tomar la mejor decisión y aplicar los ajustes. Para ésto nos vamos a preparar bien en los párrafos que vienen adelante.

Lámparas incandescentes de tungsteno 3,200 Kelvin de temperatura.

Si por ejemplo llegamos a producir imágenes a una localización interior cuyo interior lo dominan únicamente luminarias de tungsteno (bombillos o luces de cuarzo) notaremos que los elementos de color blanco suelen verse contaminados con un exceso de tono amarillo anaranjado (3,200K), lo que corresponde para eliminar ese espectro será colocar un filtro del color opuesto para neutralizarlo, con esta acción lograremos que el color blanco retome su tono blanco nuevamente.

Al balance de blancos también se le llama equilibrio de blancos, es un ajuste electrónico que consigue una reproducción de color correcta sin mostrar tonos dominantes o espectros de color, que son especialmente notables en los tonos neutros -blanco y gris- con independencia del tipo de fuente de luz que ilumina la escena. Se puede realizar este ajuste en la cámara de forma personalizada, automática o manual.

Los fotógrafos profesionales y los científicos se basan en la escala Kelvin para medir y describir de manera precisa la temperatura, y por consiguiente, el color de la luz. La escala que usamos para medir el “tono o espectro” de la luz fue desarrollada por el matemático y físico británico William Thomson, Lord Kelvin. 

Mientras más alta es la temperatura, más azul o fría se torna la luz; mientras más baja es la temperatura, más cálida y rojiza se torna la luz. Veamos cómo aplica en la práctica, cuando un cuerpo negro es calentado emitirá un tipo de luz, y según la temperatura a la que se encuentra, por ejemplo 1,600K es la temperatura correspondiente a la salida o puesta del sol. La temperatura del color de una lámpara de filamento de tungsteno corriente es de 2,800K. La temperatura de la luz utilizada en fotografía y artes gráficas es 5,000K y la del sol al mediodía con cielo despejado es de 5,500K. La luz de los días nublados es más azul, y es de más de 6,000K, la luz del sol aunque es una fuente de luz continua, es también variable desde que amanece hasta que anochece.

El sol fuente de luz disponible tiene una temperatura al mediodía de 5,500 Kelvin.

El color de la luz solar puede variar mucho, de acuerdo al horario, la bruma o el humo, el polvo en el aire y la latitud y longitud geográfica del lugar. 

Debido al ángulo que tiene temprano en la mañana y al final del día, los rayos solares deben atravesar una porción mayor de la atmósfera. La mayor travesía resulta en que se absorbe más luz azul que roja (las longitudes más cortas de onda se absorben más fácilmente). En consecuencia, la temperatura de color del sol vira hacia el rojo, lo que determina el tono rojizo del atardecer y el amanecer. 

Al mediodía, la luz del sol debe recorrer una menor distancia y la temperatura de la luz directa del sol es cercana a los 5,500K.

Icono para trabajar en zonas con -únicamente- luz de sol.

Entre estos dos extremos hay variantes de tonalidades más sutiles de acuerdo a la posición del sol en el cielo. Y si las nubes lo tapan y lo descubren, la temperatura de color (y la cualidad de la luz) variarán dramáticamente. La temperatura de color varía también como consecuencia de la bruma o de un cielo nublado. Si la cámara no se balancea a blancos bajo esas mismas condiciones, la luz resultante creará un efecto frío y azulado, y no precisamente agradable.

Temperatura de color en la escala Kelvin.

Para medir la temperatura de la fuente luminosa se utiliza una herramienta llamada termocolorímetro; si se le proporcionan los datos necesarios, un termocolorímetro (distinto a un luxómetro que mide lúmenes, y permite saber el caudal de luz que llega a un punto en particular) permite además conocer qué filtros o correcciones hay que hacer para neutralizar las dominantes que puedan aparecer.  Entendemos por termocolorímetro a un instrumento que mide la temperatura de color de una fuente de luz. La temperatura de color se define como la temperatura de un radiador de cuerpo negro que emite luz del mismo color que la fuente de luz que se está midiendo. Se expresa en Kelvin (K).

Balancear a blancos bajo iluminación de bombillo.

Las cámaras de vídeo y de fotografía digital vienen equipadas con herramientas para realizar el balance de blancos de maneras distintas. Existen funciones que te permiten hacer balance en tungsteno con sólo seleccionar el icono del bombillo la cámara ajustará el filtro opuesto a amarillo anaranjado y volverá de lograr un blanco 100% blanco. O bien si estamos bajo otras luminarias de luz fluorescente, de flash o del sol. El balance de blancos (WB) es un ajuste de la cámara que ayuda a garantizar que los colores de las fotos sean precisos. Se basa en la idea de que la luz blanca está compuesta por todos los colores del espectro visible. Cuando la luz blanca incide en un objeto, este absorbe algunos colores y refleja otros. El color que vemos es el resultado de los colores que el objeto refleja.

Balance personalizado.

La herramienta de balance de blancos personalizado, nos ayuda a trabajar en zonas con luz mezclada de varias fuentes y por tanto de varias calidades o temperaturas. No se recomienda utilizar la función automatizada de balance de blancos en localizaciones con luces mezcladas varias pues variará el resultado final y se hará notorio que las imágenes tienen varios tonos. Lo más correcto será acudir al balance personalizado. Para que éste funcione deberás tomar una fotografía de la zona que muestre la suma todas las luces sobre una hoja de papel blanca y luego seleccionar éste icono -balance personalizado- para que la cámara complete el balance. Con cámaras de vídeo se debe dirigir la cámara a la zona de trabajo, encuadrar dentro de una hoja de papel o de cartón 100% blanca y tocar por unos segundos el botón WB hasta que el termocolorímetro haga la lectura y complete el calculo. De esta manera tendrás una lectura exacta del balance de blancos.

El balance de blancos personalizado en las cámaras DSLR le permite ajustar el balance de blancos de la imagen manualmente para obtener colores más precisos. Esto puede ser útil en situaciones en las que el balance de blancos automático (AWB) no funciona correctamente, como bajo la luz artificial o en condiciones de sombra. Pasos para realizar un balance de blancos personalizado en una cámara DSLR de Canon:

Ajuste el modo de balance de blancos a "Personalizado".

Apunte la cámara a un objeto blanco o gris neutral. El objeto debe llenar la mayor parte del encuadre.

Presione el botón de disparo para tomar una foto. La cámara utilizará la información de esta foto para ajustar el balance de blancos de la imagen.

Dispare sus fotos con el nuevo ajuste de balance de blancos personalizado.

Otros consejos para un balance de blancos personalizado:

Utilice un objeto blanco o gris neutral que no tenga ningún otro color.

Asegúrese de que el objeto esté bien iluminado.

Tome la foto del objeto blanco o gris antes de tomar cualquier otra foto.

Puede realizar un balance de blancos personalizado para diferentes condiciones de iluminación.

Destacan las ventajas del balance de blancos personalizado:

Colores más precisos: El balance de blancos personalizado le ayudará a obtener colores más precisos en sus fotos.

Mayor control: Le da más control sobre el aspecto de sus fotos.

Resultados consistentes: Le ayudará a obtener resultados consistentes en diferentes condiciones de iluminación.

Veamos un repaso de lo aprendido sobre el balance de blancos hasta ahora en el siguiente vídeo.

Iconos de balance de blancos típicos de la industria  de la fotografía digital.

Espero que éste te resulte útil y que puedas lograr mejores imágenes digitales en tus próximas sesiones de fotografía, o bien en tus viajes junto a tu familia y amigos. Antes de finalizar te invito nuevamente a compartir con tus amigos de las redes sociales este artículo, y dejarnos una calificación para saber tu nivel de satisfacción, o mejor regala un ME GUSTA. Prueba a leer también un post sobre Iluminación. Éxitos totales.

Qué estés bien.

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.