Atraer audiencias a la sala de cine

¡Feliz año nuevo! El día uno de enero de cada año en la ciudad de Tegucigalpa, existe una muy arraigada costumbre de visitar las salas cine y disfrutar de alguna película expuesta en la cartelera o marquesina. Por ser un día de descanso obligado en el que nadie suele trabajar, la única opción de entretenimiento de la ciudad solía ser visitar las salas de cine y disfrutar de sus recientes estrenos. Es tan fuerte esta costumbre local que las salas de cine utilizaban esta fecha para estrenar algunos títulos con gran potencial. 

¿Cómo es que somos atraídos a ver una película? ¿Cómo lograr atraer a grandes audiencias para que vean nuestra película? Vamos por partes... Una película de cine es un producto cultural en la medida en que es una expresión de la cultura de una sociedad. Las películas suelen reflejar las creencias, valores, costumbres y tradiciones de la sociedad en la que se producen. También pueden ser una herramienta para explorar temas sociales, políticos o filosóficos. La película según el diccionario de la lengua española es una cinta de celuloide que contiene una serie de imágenes fotográficas que se proyectan en la pantalla del cinematógrafo o en otra superficie adecuada.

Las películas pueden ser un producto cultural de varias maneras. Primero, pueden reflejar las tendencias culturales de una sociedad. Por ejemplo, las películas de Hollywood de la década de 1950 a menudo reflejaban los valores muy tradicionales de la sociedad estadounidense. Las películas de los años 60 y 70, por otro lado, a menudo exploraban temas sociales más controvertidos, como la guerra de Vietnam y el movimiento por los derechos civiles. En segundo lugar, las películas pueden ser una herramienta para explorar temas culturales. Las películas pueden ayudar a los espectadores a comprender diferentes culturas y perspectivas. Por ejemplo, las películas extranjeras pueden ayudar a la audiencia internacional a aprender sobre otras culturas. Las películas de época también pueden ayudar a los espectadores a comprender acerca de la cultura de una época pasada en algún lugar. En tercer lugar, las películas pueden ser una forma de entretenimiento que refleja la cultura de una sociedad. Las películas pueden proporcionar a los espectadores una forma de escapar de la realidad y explorar diferentes mundos. También pueden proporcionar a los espectadores una forma de conectarse con otros y compartir experiencias comunes.

Las películas son un producto cultural importante que puede reflejar, explorar y entretener a las audiencias de todo el mundo. Aquí hay algunos ejemplos específicos de cómo las películas pueden ser un producto cultural: La película "Casablanca" (1942) refleja los valores tradicionales estadounidenses de la época, como el amor, la amistad y la lealtad. En la película "El padrino" (1972) se explora temas sociales controvertidos, como la mafia y la corrupción. La película "Crouching Tiger, Hidden Dragon" (2000) es una película extranjera que ayuda a los espectadores a aprender sobre la cultura china. La película "El señor de los anillos" (2001-2003) es una película de fantasía que proporciona a los espectadores una forma de escapar de la realidad. Las películas son un producto cultural dinámico que evoluciona constantemente. A medida que las sociedades cambian, las películas también se van adaptando a esos cambios.

¿Tienes un plan y una estrategia? La mejor estrategia será crear una película que sea atractiva para un público amplio y generalista. Esto significa contar una buena historia, con personajes memorables y un mensaje que haga eco y que resuene con el público en base a ideas universales alojadas en su imaginario colectivo. A lo anterior, sumemos el desarrollo de una campaña publicitaria bien estructurada que genere interés y expectación por la película. Esto puede hacerse mediante la publicación de trailers emocionantes, la colaboración con líderes de opinión de diferentes sectores y la organización de eventos y concursos. 

El impacto en la taquilla al encargar un póster de película profesional a un estudio de diseño con amplia experiencia puede ser significativo. Un póster bien diseñado puede ayudar a generar entusiasmo por una película, atraer la atención de los espectadores y aumentar las ventas de entradas. Según un estudio realizado por la Universidad de California, Los Ángeles, los pósters de películas profesionales pueden aumentar las ventas de entradas en un 20%. El estudio encontró que los pósters que eran más atractivos y memorables generaban más interés por las películas. Los estudios de diseño con amplia experiencia tienen el conocimiento y las habilidades necesarias para crear pósters de películas que sean atractivos y efectivos. Estos estudios tienen acceso a las últimas tendencias en diseño y pueden trabajar con los estudios de cine para crear pósters que se ajusten a la estética de la película. Algunos de los factores que pueden contribuir al impacto en la taquilla de un póster de película profesional podrían ser su calidad del diseño, un póster bien diseñado es atractivo, memorable y transmite el mensaje de la película de manera efectiva. El póster debe atraer a la audiencia objetivo de la película. El póster debe distribuirse de manera efectiva para llegar a la mayor cantidad posible de personas.

Una estrategia que combinó estos dos elementos fue utilizada por la película Avatar (2009). La película fue un éxito de crítica y comercial, recaudando más de 2 mil 800 millones de dólares alrededor del mundo. La estrategia de marketing de Avatar fue innovadora y eficaz. La película fue anunciada con una campaña publicitaria que incluyó etapa de expectativa, y que generó mucho interés. La campaña incluyó un trailer emocionante que mostraba impresionantes imágenes generadas por computadora para la película. La película también se benefició de la colaboración con influencers. James Cameron, el mismo director de la película, apareció en una serie de entrevistas y vídeos con influencers de las redes sociales. Esto ayudó a llegar a una audiencia más amplia y a generar buzz al rededor de la película.

La película Star Wars de George Lucas, estrenada en 1977, fue un fenómeno cultural que cambió para siempre el modelo de comercialización de las películas. La película fue un éxito de taquilla, recaudando casi 776 millones de dólares en todo el mundo. Inicialmente se tradujo y dobló a 18 idiomas y alcanzó los 50 idiomas en pocos años.

Sin embargo, su éxito comercial se debió en gran parte a su exitosa campaña de comercialización. Lucas, un visionario, tenía una estrategia muy clara de cómo quería comercializar Star Wars. Se dio cuenta de que la película poseía el potencial de convertirse en un fenómeno global y que necesitaba una estrategia de comercialización que fuera igualmente global. Para esto Lucas se asoció con Kenner Toys para crear una línea de juguetes basada en los personajes y vehículos de la película. La línea de juguetes fue un éxito inmediato y ayudó a popularizar la película entre los niños de todo el mundo. Lucas también se asoció con otras empresas para crear una amplia gama de artículos promocionales de Star Wars, incluidos juegos, ropa, alimentos y bebidas. Lucas -también- hizo acuerdos con otras empresas, como Hasbro, Topps y General Mills. Estas empresas produjeron una variedad de productos de consumo inspirados en Star Wars, como juegos de mesa, cómics y tarjetas de colección. Estos productos ayudaron a extender el alcance de la marca Star Wars y a llegar a un público más amplio. Esta estrategia de comercialización omnicanal ayudó a crear una experiencia de marca envolvente para los fanáticos de Star Wars. Se estima que fuera de la taquilla Star Wars captó un estimado de 20 millones con ventas de los juguetes Kenner en figuras de acción de Star Wars en 1977. Bantam Books vendió más de 10 millones de copias de la novela de Star Wars en 1977. La banda sonora original de Star Wars, compuesta por John Williams, fue un éxito comercial y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo.

El éxito de la comercialización de Star Wars tuvo un impacto profundo en la industria cinematográfica. Abriendo la puerta a un nuevo modelo de negocio en las películas, dejó en claro que los derechos de comercialización de una película podían generar más ingresos que la propia película en sí misma. Esto llevó a un aumento de la inversión en comercialización de películas y a un cambio en el enfoque de las empresas cinematográficas.

En la actualidad, la comercialización de películas es una parte integral de la industria cinematográfica. Las películas se comercializan con una variedad de productos, desde juguetes y ropa hasta videojuegos y experiencias de realidad virtual. La comercialización de películas ayuda a crear conciencia de las películas, genera entusiasmo entre los fanáticos y genera ingresos para las empresas cinematográficas.

La película Roma, dirigida por Alfonso Cuarón y estrenada en 2018, marcó un hito en la historia de la comercialización de películas en las plataformas digitales. Fue la primera película original de Netflix que se estrenó en salas de cine antes de su lanzamiento en la plataforma, y fue un éxito de crítica y taquilla. El lanzamiento de Roma en salas de cine fue un movimiento audaz por parte de Netflix. La compañía había sido criticada por su enfoque de distribución, que ha llevado a que muchas de sus películas se estrenen directamente en la plataforma sin pasar por las salas de cine.

El lanzamiento de Roma en salas de cine fue visto como una señal de que Netflix estaba dispuesta a adaptarse a las demandas de los cineastas y los espectadores. También fue una forma de que la compañía probara si su modelo de distribución podía funcionar para películas más artísticas y serias. El éxito de Roma en salas de cine fue un impulso para Netflix. La película recaudó más de 30 millones de dólares en todo el mundo, y fue nominada a diez premios Oscar, incluyendo mejor película. El éxito de Roma ayudó a cambiar el modelo de comercialización de películas en las plataformas digitales. Otras compañías de streaming, como Amazon Prime Video y Apple TV+, comenzaron a seguir el ejemplo de Netflix y a estrenar sus películas originales en salas de cine. El lanzamiento de Roma en salas de cine también ayudó a que las películas originales de las plataformas digitales fueran más aceptadas por la crítica y el público. Las películas de Netflix, Amazon Prime Video y Apple TV+ comenzaron a ser reconocidas por su calidad artística, y a ganar premios en festivales de cine. El impacto de Roma en la comercialización de películas en las plataformas digitales aún se está desarrollando. Sin embargo, está claro que la película ha tenido un impacto significativo en la industria cinematográfica. Algunos de los cambios específicos que Roma ha provocado en el modelo de comercialización de películas en las plataformas digitales. Como el aumento de la inversión en películas originales de las plataformas digitales. Un mayor enfoque en la calidad artística de las películas originales de las plataformas digitales. Una mayor aceptación de las películas originales de las plataformas digitales por parte de la crítica y el público. Es probable que estos cambios continúen en los próximos años, en la medida en que las plataformas digitales sigan creciendo en importancia.

La película Top Gun Maverick de Tom Cruise, estrenada en 2022, fue un éxito de taquilla que recaudó más de un mil 400 millones de dólares en todo el mundo. La película fue un éxito comercial y crítico, y se le acredita con ayudar a revitalizar la industria cinematográfica después de la pandemia de COVID-19.

La película fue impulsada por una campaña de comercialización masiva que utilizó una variedad de canales, incluidos el cine, la televisión, las redes sociales y el marketing de influencers. La campaña se centró en la nostalgia de la película original de Top Gun, así como en las impresionantes imágenes aéreas de la película. La campaña de comercialización de Top Gun Maverick fue un éxito porque logró generar entusiasmo por la película entre una amplia audiencia. La campaña fue especialmente efectiva en atraer a espectadores de todas las edades, incluidos los que no habían visto la película original Top Gun: Pasión y gloria del año 1986. La campaña de comercialización de Top Gun Maverick ha tenido un impacto significativo en el modelo de comercialización de las películas después de la pandemia de COVID-19. La campaña ha demostrado que es posible comercializar películas exitosas utilizando una variedad de canales y enfoques. La campaña publicitaria también destacó la importancia de la nostalgia -mercado de los nostálgicos- en la comercialización de películas.

Algunos de los cambios específicos que la campaña de comercialización de Top Gun Maverick ha provocado en el modelo de comercialización de las películas incluyen: Un aumento de la inversión en comercialización de películas. Mayor enfoque en la comercialización multicanal. Mayor énfasis en la nostalgia en la comercialización de películas. Es probable que estos cambios continúen en los próximos años, a medida que la industria cinematográfica se adapta a las nuevas realidades de la distribución y el consumo de películas.

El lanzamiento de las películas Barbie y Oppenheimer, estrenadas ambas en julio de 2023, tuvieron un impacto significativo en el modelo de lanzamiento de las películas en la sala de cine después de la pandemia de COVID-19. En primer lugar, ambas películas fueron un éxito de taquilla, recaudando más de 100 millones de dólares cada una en su primer fin de semana. Este éxito demostró que las películas de gran presupuesto todavía pueden atraer a grandes audiencias a las salas de cine. En segundo lugar, ambas películas fueron estrenadas en salas de cine en todo el mundo al mismo tiempo. Esto fue un cambio significativo con respecto a la práctica anterior, en la que las películas a menudo se estrenaban en diferentes países en diferentes fechas. El estreno simultáneo en todo el mundo de Barbie y Oppenheimer ayudó a maximizar la exposición de las películas y a generar entusiasmo entre los espectadores en todo el mundo.

En tercer lugar, ambas películas fueron lanzadas en formato IMAX. Este formato de proyección ofrece una experiencia de visualización más inmersiva, y ha ganado popularidad en los últimos años. El lanzamiento de Barbie y Oppenheimer en formato IMAX ayudó a atraer a una audiencia más amplia de espectadores que buscan una experiencia cinematográfica premium. En general, las películas Barbie y Oppenheimer demostraron que las películas de gran presupuesto todavía pueden ser exitosas en la taquilla, incluso en un mundo con una creciente competencia de las plataformas de streaming. El éxito de estas películas también ayudó a consolidar el modelo de estreno simultáneo en todo el mundo y el formato IMAX como tendencias en el lanzamiento de películas. Aquí hay algunos cambios específicos que las películas Barbie y Oppenheimer pueden provocar en el modelo de lanzamiento de las películas en la sala de cine: Un aumento en la cantidad de películas de gran presupuesto que se estrenan en salas de cine.

Un mayor enfoque en el estreno simultáneo en todo el mundo de las películas de gran presupuesto. Un aumento en la popularidad del formato IMAX para las películas de gran presupuesto. Es probable que estos cambios continúen en los próximos años, a medida que la industria cinematográfica se adapta a las nuevas realidades de la distribución y el consumo de películas.

El lanzamiento de una película fuera del entorno del cine de Hollywood suele seguir un proceso similar al de cualquier otra película, pero con algunas diferencias importantes. En primer lugar, el proceso de producción suele ser más limitado. Las películas producidas fuera de Hollywood suelen tener un presupuesto menor. Esto puede afectar a la calidad de la película, pero también puede dar a los cineastas más libertad creativa. En segundo lugar, la distribución suele ser más compleja. Las películas producidas fuera de Hollywood suelen tener que buscar distribuidores locales en cada país o región en la que se estrenen. Esto puede ser un proceso largo y difícil, y puede limitar la distribución de la película. En tercer lugar, la comercialización suele ser más limitada. Las películas producidas fuera de Hollywood suelen tener menos recursos para la comercialización que las películas de Hollywood. Esto puede dificultar la generación de entusiasmo por la película y su éxito en taquilla.

El proceso tradicional de lanzamiento de una película fuera del entorno del cine de Hollywood suele incluir las siguientes etapas: Distribución, La película cuenta con un distribuidor para cada país o región en la que se estrenará. La película se estrena en salas de cines. La película se lanza en formatos de vídeo doméstico. En algunas ocasiones, las películas producidas fuera de Hollywood pueden ser seleccionadas para su estreno en festivales de cine. Esto puede ayudar a generar entusiasmo por la película y a atraer la atención de los distribuidores locales.

En los últimos años, se han desarrollado nuevas plataformas de distribución, como las plataformas de streaming, que han facilitado la distribución de películas producidas fuera del entorno del cine de Hollywood. Estas plataformas ofrecen a los cineastas una nueva forma de llegar a una audiencia global. A continuación, se describen con más detalle cada una de estas etapas:

La producción de una película es el proceso de crear la película, desde el guion hasta el montaje final. El proceso de producción suele ser largo y complejo, y requiere la colaboración de un equipo de personas con diferentes habilidades, como directores, guionistas, actores, productores, técnicos y financieros.

El presupuesto de una película es un factor importante que determina el proceso de producción. Los presupuestos de las películas producidas fuera de Hollywood suelen ser más bajos que los presupuestos de las películas de Hollywood. Esto puede limitar la escala de la producción y la calidad de la película.

La distribución es el proceso de llevar la película a los espectadores y las grandes audiencias. Las películas producidas fuera de Hollywood suelen encontrar distribuidores locales en cada país o región en la que se estrenen. Los distribuidores son empresas que se encargan de comercializar y distribuir películas. Los distribuidores suelen buscar películas que tengan el potencial de ser exitosas en taquilla. El estreno en salas de cine es el momento en que la película se estrena por primera vez en las salas. El estreno en cines es un momento importante para la película, ya que es la primera vez que los espectadores pueden verla.

La primera ventana de exposición. El éxito de una película en taquilla suele depender de su estreno en cines. Si la película es un éxito en taquilla, es más probable que sea distribuida en otras plataformas, como el video doméstico. La segunda ventana. El video doméstico es el formato de distribución de películas más popular en la actualidad. Las películas producidas fuera de Hollywood suelen lanzarse en formato de vídeo doméstico después de su estreno en cines. El lanzamiento en vídeo doméstico permite a los espectadores ver la película en casa, a su conveniencia. El lanzamiento de una película fuera del entorno del cine de Hollywood suele ser un proceso más complejo y desafiante que el de una película de Hollywood. Sin embargo, las películas producidas fuera de Hollywood pueden ser igual de exitosas como las mismas películas de Hollywood, si se realizan con cuidado y se comercializan adecuadamente.

Las estrategias de las campañas de marketing y publicidad son fundamentales para generar entusiasmo por una película y atraer al público a las salas de cine. Las campañas suelen incluir pósters, anuncios en televisión, cine, radio, prensa, Internet y redes sociales. Los espectáculos y proyecciones especiales son una forma de crear un evento y generar interés por una película. Los ejemplos incluyen proyecciones previas, proyecciones en festivales de cine, proyecciones especiales con invitados de los medios y eventos de alfombra roja. Las relaciones públicas son fundamentales para generar cobertura positiva de la prensa para una película. Las relaciones públicas pueden ayudar a aumentar la conocimiento de la película y generar entusiasmo entre el público. El merchandising y los productos relacionados pueden ayudar a generar ingresos adicionales para una película y promover la película a una audiencia más amplia. Adicionalmente, puede ayudar a crear una fuerte conexión emocional entre los seguidores y la película fortaleciendo así el sentido de pertenencia. Los ejemplos incluyen juguetes, ropa, videojuegos, libros y música. Como bien has podido ver el éxito de una película en su lanzamiento depende de una combinación de factores, incluidos la calidad de la película, la fuerza de la campaña de marketing y la reacción del público. Sin embargo, las actividades y eventos adicionales descritos anteriormente pueden ayudar a aumentar las posibilidades de éxito de una película. La película Jurassic Park (1993). Fue un éxito de taquilla, recaudando más de 914 millones de dólares en todo el mundo. El merchandising relacionado con la película, que incluía juguetes, juegos y ropa, generó miles de millones de dólares más. El éxito del merchandising de Jurassic Park ayudó a popularizar la franquicia y a generar una nueva generación de fans de los animales prehistóricos. La serie de películas de Harry Potter fue un fenómeno cultural, recaudando más de 9.6 mil millones de dólares en la taquilla. El merchandising relacionado con la serie, que incluía juguetes, juegos, ropa y libros, generó miles de millones de dólares más. El éxito del merchandising de Harry Potter ayudó a popularizar esta franquicia y a crear una comunidad global de seguidores.

Las estrategias de marketing digital se hacen cada vez más importantes para el éxito de las películas en años recientes. Los grandes estudios de cine están utilizando una variedad de estrategias digitales para llegar a una audiencia más amplia y generar entusiasmo por sus películas. Algunas de las estrategias de marketing digital más exitosas para el lanzamiento de películas recientes. Las redes sociales son una forma eficaz de conectar con el público y generar entusiasmo por una película. Los estudios de cine utilizan las redes sociales para compartir avances, imágenes, noticias y concursos para llegar a una audiencia amplia. El contenido de marca es una forma de crear contenido atractivo y relevante que atraiga a la audiencia objetivo de una película. Los estudios de cine crean contenido de marca en forma de videos, artículos, juegos y otros formatos para generar interés en sus películas. La inteligencia artificial y el aprendizaje automático se están utilizando cada vez más para optimizar las campañas de marketing digital de películas. Los estudios de cine utilizan la IA y el aprendizaje automático para segmentar a su audiencia objetivo, medir el rendimiento de sus campañas y crear contenido más personalizado.

La mejor estrategia de marketing digital aplicada a una película de cine hasta la fecha es la que utilizó la película Avengers: Endgame (2019) que fue la culminación de una década de películas del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), y los estudios Marvel utilizaron una estrategia de marketing digital innovadora y exitosa para generar entusiasmo y alta expectación por ver la película. De esta se destacan el contar con una campaña publicitaria exitosa que contó con una etapa de expectativa de la película, misma que comenzó un año antes de su lanzamiento, y generó una gran cantidad de interés y entusiasmo. La campaña incluyó una serie de vídeos cortos que presentaban imágenes y pistas sobre la película, pero que no revelaban demasiado. Los estudios Marvel también utilizaron las redes sociales de forma eficaz para promocionar la película. Publicaron vídeos, fotos y otros contenidos que conectaban con los seguidores y generaban mayor expectación. Los estudios Marvel colaboraron con una serie de influencers para promocionar la película. Esto ayudó a llegar a un público más amplio y a generar buzz en torno a la película. Una estrategia de merchandising exitosa que contó con una serie de productos de merchandising relacionados con la película. Esto ayudó a generar ingresos adicionales y a prolongar la vida útil de la película.  La película recaudó más de 2 mil 790 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia.

Un ejemplo de una estrategia de marketing digital exitosa para el lanzamiento de una película reciente es la campaña de publicidad de la película "Spider-Man: No Way Home" de 2021. La campaña de marketing de la película se centró en generar entusiasmo entre los fanáticos de Spider-Man. La campaña incluyó trailers, imágenes, entrevistas con el elenco y el equipo, y eventos especiales. La campaña fue un éxito y la película se convirtió en la película más taquillera de 2021.

Otra estrategia de marketing digital exitosa es la campaña de publicidad para la película "Elvis" de 2022. La campaña de publicidad de la película se centró en presentar a Elvis Presley a una nueva generación de fanáticos. La campaña incluyó avances, imágenes, entrevistas con el elenco y el equipo, y eventos especiales. La campaña fue un éxito y la película recibió críticas positivas y resultó ser un éxito en la taquilla que reunió cerca de 480 millones de dólares en todo el mundo.

Cosas a tomar en cuenta. Hay que empezar a planificar temprano. El éxito de un lanzamiento requiere tiempo y esfuerzo. Comienza a planificar tus esfuerzos de marketing y promoción con al menos seis meses de antelación. Conoce a tu público objetivo. Haz tu investigación para entender a quién quieres llegar con tu película. ¿Cuáles son sus intereses? ¿Qué les importa? Crea contenido atractivo y relevante. Tu contenido debe ser atractivo y relevante para tu público objetivo. Debe despertar su interés y curiosidad por la película. Promociona tu película en los canales adecuados. Utiliza los canales de marketing que tu público objetivo utiliza. Las redes sociales son una excelente manera de llegar a una audiencia amplia, pero también puedes utilizar el marketing tradicional, como la publicidad televisiva o impresa. Mide el éxito de tus esfuerzos. Es importante medir el éxito de tu lanzamiento para que puedas evaluar correctamente y aprender de tus éxitos y fracasos.

Medita en ¿Cómo estás planeado atraer espectadores a tu próximo proyecto audiovisual? ¿Qué estrategia tienes en mente? ¿Cuál es plan que le vendrá mejor a tu audiencia? ¿Cuál es el objetivo del lanzamiento? ¿Quieres generar interés y expectación, o quieres generar ventas? ¿Quiénes son el público objetivo de la película? ¿A quién quieres llegar? ¿Cuál es el presupuesto del lanzamiento? ¿Cuánto dinero tienes para invertir en marketing y promoción? ¿Qué canales de marketing utilizarás? ¿Te centrarás en las redes sociales, el marketing tradicional o una combinación de ambos? ¿Qué contenido crearás? ¿Qué tipo de contenido atraerá a tu público objetivo? ¿Cómo medirás el éxito del lanzamiento? ¿Qué métricas utilizarás para evaluar el impacto de tus esfuerzos?

Qué estés bien,

Conectando con otras personas: Storytelling

El storytelling es una técnica de comunicación que consiste en contar una historia para transmitir un mensaje. Es una herramienta poderosa que puede utilizarse para conectar con las otras personas a nivel emocional, generar engagement y crear vínculos duraderos. El storytelling, se utiliza en una gran variedad de contextos, desde el marketing y la publicidad hasta la educación y la política. En el ámbito empresarial, el storytelling se utiliza para conectar con los clientes, generar interés en los productos o servicios de la empresa y construir una marca fuerte y memorable.

Vamos a entender por storytelling a la técnica de narrar o contar una historia para compartir un mensaje. Una historia, es un relato que tiene un principio, un desarrollo y un desenlace. Los elementos esenciales de una historia son los personajes, la trama, el escenario y el mensaje. Los personajes son las personas o seres que intervienen en la historia. La trama es la secuencia de eventos que ocurren en la historia. El escenario es el lugar donde ocurre la historia. Y el mensaje es la idea o el aprendizaje que se quiere entregarse con la historia.

Las ventajas o beneficios que esta técnica conlleva son varios. El storytelling tiene una serie de bondades que lo convierten en una herramienta de comunicación poderosa. Estos beneficios son: Genera engagement: El storytelling ayuda a conectar con las personas a nivel emocional, lo que genera engagement lo que hace que las personas estén más dispuestas a escuchar el mensaje. ¿Cómo desarrollo engagement para mis historias? En palabras sencillas es como es como cuando te atrae y te gusta mucho algo y lo deseas mucho. Cuenta historias que sean relevantes para tu audiencia. Las personas están más dispuestas a involucrarse con historias que les interesan y que les conectan. Crea personajes con los que la audiencia pueda identificarse. Los personajes son la clave para cualquier historia. Si los personajes son atractivos y relatables, la audiencia se involucrará más en la historia. Utiliza un lenguaje emocional. El lenguaje emocional puede ayudar a conectar con las personas a un nivel más profundo. Utiliza palabras y frases que despierten emociones como la empatía, la alegría, la tristeza o la sorpresa.  Se refiere al compromiso que se establece entre una marca y su audiencia. Este compromiso puede ser de naturaleza emocional, ya que las personas se sienten atraídas por la marca y se interesan por ella. Crea una llamada a la acción. No olvides decirle a la audiencia qué quieres que haga después de escuchar y comprender tu historia. La llamada a la acción o una invitación a dar el siguiente paso; puede ser tan simple como invitar a la audiencia a compartir la historia o a hacer clic.

Facilitará el recuerdo de marca: Las historias son fáciles de recordar, lo que ayuda a que las marcas se queden grabadas en la mente de los consumidores. Crea vínculos duraderos: Las historias ayudan a crear vínculos entre las personas, lo que puede ser muy beneficioso para las empresas en términos de lealtad de los clientes y relaciones públicas.

Para contar una historia de forma efectiva vamos a tomar en cuenta varias cosas. Será importante tener en cuenta algunos factores que hemos venido mencionando unos párrafos atrás.

El objetivo ¿Qué quieres lograr con tu historia? ¿Quieres informar, educar, persuadir o entretener? 

El público ¿A quién te diriges? ¿Cuáles son sus intereses y necesidades?

El mensaje ¿Cuál es el mensaje que quieres transmitir con tu historia?

La estructura. Una historia bien estructurada tendrá: Principio, desarrollo y  desenlace.

Los personajes. Los personajes deben ser creíbles y verosímiles.

La trama: La trama debe ser interesante y mantener la atención del público.

El escenario: El escenario debe ser relevante para la historia. Localización interior o  exterior).

El storytelling, es una herramienta de comunicación poderosa que puede utilizarse para conectar con las personas a nivel emocional, generar engagement y crear vínculos duraderos. Es una técnica que se utiliza en una gran variedad de contextos, desde el marketing y la publicidad hasta la educación y la política. Si quieres utilizar el storytelling para mejorar tu comunicación, es importante tener en cuenta los factores que te he mencionado en esta publicación. Con una buena planificación y ejecución, el storytelling puede ser una herramienta muy eficaz para lograr tus objetivos.

Algunos de los patrones de storytelling que se utilizan con frecuencia en la industria de la publicidad. Estos patrones son útiles para crear historias que sean atractivas y memorables para el público objetivo. Uno de los patrones de storytelling más comunes en la publicidad es el viaje del héroe. Este patrón se basa en la historia de un personaje que emprende un viaje para superar un desafío y alcanzar una meta. El viaje del héroe, es un recurso poderoso que puede ayudar a conectar con las emociones del público objetivo y crear una sensación de empatía con el personaje. Otro recurso de storytelling frecuente en piezas publicitarias la publicidad es el problema-solución. Este patrón se basa en la presentación de un problema que el producto o servicio anunciado puede resolver. El patrón de problema-solución es una forma efectiva de comunicar el valor del producto o servicio al público objetivo. Otros recursos de storytelling comunes en la publicidad incluyen La historia de amor, este patrón se basa en la historia de dos personas que se enamoran. La historia de amor es un patrón efectivo para crear emociones positivas en el público objetivo. La historia de éxito, este recurso se basa en la historia de una persona que alcanza el éxito. La historia de éxito es un patrón efectivo para inspirar al público objetivo. La historia de la vida real, se basa en una historia real. La historia de la vida real es un patrón efectivo para crear credibilidad y confianza con el público objetivo. La elección del patrón de storytelling más adecuado dependerá del objetivo del anuncio y del público objetivo. Sin embargo, los patrones de storytelling mencionados anteriormente son una buena base para comenzar. Aquí hay algunos ejemplos de anuncios que utilizan patrones de storytelling en la campaña publicitaria de Nike Just do it utiliza el patrón de viaje del héroe. El anuncio presenta a atletas de élite que superan desafíos para alcanzar sus metas. El anuncio de Apple "Think different" utiliza el patrón de problema-solución. El anuncio presenta a personas que piensan de manera diferente y que están cambiando el mundo. El anuncio de Coca-Cola "Share a Coke" utiliza el patrón de historia de amor. El anuncio presenta a personas que comparten momentos felices con Coca-Cola.

Existe una clasificación común es la que divide el storytelling en dos grandes categorías:

Storytelling factual: Este tipo de storytelling se basa en hechos reales y se utiliza para informar o educar a la audiencia. Por ejemplo, un documental o una noticia son ejemplos de storytelling factual.

Storytelling ficticio o ficción: Este tipo de storytelling se basa en la imaginación y se utiliza para entretener o emocionar a la audiencia. Por ejemplo, una novela o una película son ejemplos de storytelling ficticio.

Si pensamos un poco en qué plataforma, soporte o medio vamos a emitir nuestro mensaje. Tendremos que considerar en función del medio o el formato utilizado:

Storytelling verbal: Este tipo de storytelling se basa en la palabra hablada o escrita. Por ejemplo, un cuento, una fábula o un discurso son ejemplos de storytelling verbal.

Storytelling visual: Este tipo de storytelling se basa en imágenes o videos. Por ejemplo, un cómic, una película o un anuncio publicitario son ejemplos de storytelling visual.

Storytelling interactivo: Este tipo de storytelling permite a la audiencia participar en la historia. Por ejemplo, un videojuego o una experiencia inmersiva son ejemplos de storytelling interactivo.

Por otra parte si nos enfocamos en el tipo de auditorio al que nos estamos dirigiendo tenemos que el storytelling empresarial se utiliza para promover un producto o servicio, el storytelling social se utiliza para concienciar sobre una causa, y el storytelling educativo se utiliza para enseñar un concepto o una habilidad.

Existen algunos ejemplos de anuncios que utilizan recursos de storytelling exclusivos para campañas publicitarias digitales como es el caso de el anuncio de Nike "Nike+Run Club" utiliza el patrón de storytelling interactivo. El anuncio permite a los usuarios rastrear sus carreras y compartir sus resultados con otros usuarios.

El anuncio de Amazon "Amazon Echo" utiliza el patrón de storytelling personalizado. El anuncio utiliza la información de ubicación del usuario para mostrarle productos que están disponibles en su área. El anuncio de Dove "Real Beauty Sketches" utiliza el patrón de storytelling social. El anuncio generó un debate en las redes sociales sobre la belleza.

En la educación el uso del storytelling resulta ser una herramienta muy útil para entregar una enseñanza a una persona. Dado que las historias son una forma poderosa de conectar con los estudiantes, hacer que el aprendizaje sea más interesante y memorable, y promover el pensamiento crítico y la reflexión. Se pueden utilizar historias para introducir nuevos conceptos. Las historias pueden ser una forma eficaz de introducir nuevos conceptos y conceptos a los estudiantes. Por ejemplo, puedes contar una historia sobre un personaje que tiene que resolver un problema que involucre el concepto que estás enseñando. Utilizar historias para ilustrar principios y conceptos. Las historias pueden ser una forma eficaz de ilustrar principios y conceptos. ¿Cómo la narración efectiva de historias nos va a ayudar en nuestra tarea docente cada día? Ayudará a conectar con los conceptos y contenidos de una manera más significativa. Nos va a apoyar para que desarrollen su imaginación y creatividad. Mejora sus habilidades de comunicación y colaboración. Facilitará el camino para adquirir habilidades para la vida, como la resolución de problemas y la toma de decisiones.

Por ejemplo, puedes contar una historia sobre un personaje que demuestra un principio que estás enseñando. Se vale utilizar historias para fomentar el pensamiento crítico y la reflexión. Las historias pueden ser una forma eficaz de fomentar el pensamiento crítico y la reflexión. Puedes contar una historia sobre un personaje que tiene que tomar una decisión que para este resulta ser compleja.  Valora el momento y la importancia de la selección de la historia, la creación de un ambiente adecuado, el uso de la voz y el lenguaje corporal, y la interacción con la audiencia. Adapta las historias a tu audiencia, utiliza un lenguaje sencillo y claro, haz que tus historias sean visuales, utiliza la voz y el lenguaje corporal para crear emoción e interactúa con tu audiencia.

Existen algunos tipos de storytelling que resultan ser herramientas eficaces para propósitos de aprendizaje en personas adultas, te muestro tres ejemplos:

El storytelling personal, este tipo de storytelling se utiliza cuando el narrador comparte una experiencia personal para ilustrar un punto de enseñanza. Este tipo de storytelling puede ser muy efectivo para conectar con los estudiantes y hacer que se sientan más involucrados en el proceso de aprendizaje. El storytelling de casos, este es el tipo de storytelling en que se presentan casos reales para ilustrar un punto de enseñanza. Este tipo de narración puede ser muy efectivo para mostrar a los estudiantes cómo se aplican los conceptos en situaciones reales. También contamos con el storytelling de la marca aquí se utiliza la historia de una marca o empresa para ilustrar un punto o enseñanza. Este tipo de storytelling puede ser muy efectivo para enseñar a los estudiantes sobre marketing y branding.

Observemos algunos ejemplos. Ahora vamos a tratar de comprender el concepto del color biológico a partir de una historia que entregará un mensaje:

"Hace muchos años, había un pequeño pájaro llamado Paleta que vivía en un bosque. Paleta era poco común porque tenía un plumaje con variedad de colores primarios. Sus plumas eran de varios tonos de rojo, azul y amarillo.

Un día, Paleta estaba volando por el bosque cuando se encontró con un grupo de pájaros. Los pájaros eran todos de dos colores; naranja y verde. Cuando vieron a Paleta, se quedaron sorprendidos. —¿Qué es eso? —preguntó uno de los pájaros. 

—Es un pájaro de tres colores —respondió otro pájaro.

—Nunca había visto nada igual —dijo un tercer pájaro.

Los pájaros se acercaron a Paleta para conocerlo mejor. Le preguntaron de dónde venía, cómo era su familia y qué le gustaba hacer. Paleta les contó todo sobre su vida. Los pájaros estaban atentos por conocer a Paleta. Le dijeron que era muy especial y que su plumaje era hermoso. Paleta se sintió muy feliz de haber hecho nuevos amigos. Al día siguiente, Paleta volvió a encontrarse con los pájaros. Esta vez, los pájaros estaban hablando sobre el color.

—¿Por qué somos todos de color naranja y verde? —preguntó uno de los pájaros.

—Porque nuestros padres también eran de ese color —respondió otro pájaro.

—Pero Paleta no es de color naranja y verde —dijo un tercer pájaro.

—Paleta es especial —dijo el primer pájaro.

Los otros pájaros siguieron hablando sobre el color. Aprendieron que el color de los pájaros depende de los pigmentos que se encuentran en sus plumas. Los pigmentos son sustancias que absorben la luz y reflejan ciertos colores.

Los pájaros también aprendieron que el color de los pájaros puede tener diferentes funciones. Por ejemplo, algunos pájaros utilizan el color con el fin de camuflarse de los depredadores. Otros pájaros utilizan el color con la finalidad de atraer a las parejas.

Los pájaros estaban muy contentos de haber aprendido sobre el color. Se dieron cuenta de que todos los pájaros, independientemente de su color, son especiales.

Al final de la historia, el narrador le explica a su auditorio que el color biológico es el color que se produce en los organismos vivos. El color biológico puede ser producido por diferentes tipos de pigmentos, que pueden absorber la luz y reflejar ciertos colores. El color biológico puede tener diferentes funciones, como la camuflaje, la comunicación y la atracción de parejas. 

Esta historia es un ejemplo de cómo el storytelling puede utilizarse para explicar un concepto científico complejo de una manera divertida e informativa. Al utilizar personajes y situaciones familiares, la historia ayuda a los estudiantes a comprender el concepto de color biológico. Además, la historia promueve la aceptación y la integración.

También, podemos utilizar el storytelling para explicar cómo la luz visible se trata de frecuencias o de ondas vibratorias.

"Había una vez, un pequeño niño llamado Lucas que vivía en un pueblo. Lucas era muy curioso y le encantaba aprender cosas nuevas. Un día, Lucas estaba caminando por el bosque cuando vio un arcoíris. El arcoíris era muy hermoso y Lucas se quedó fascinado. Lucas empezó a preguntarse qué era el arcoíris. ¿Por qué era de colores? ¿De dónde venía? Lucas decidió ir a la biblioteca para aprender más sobre el arcoíris. En la biblioteca, encontró un libro que explicaba que el arcoíris es causado por la luz del sol. La luz del sol es un tipo de energía que viaja en ondas. Las ondas de luz tienen diferentes longitudes y frecuencias. Las ondas de luz de longitud corta tienen frecuencias altas. Las ondas de luz de longitud larga tienen frecuencias bajas. Los colores que vemos en el arcoíris son causados por las diferentes frecuencias de la luz del sol. Las ondas de luz de frecuencia alta se ven como el rojo y el naranja. Las ondas de luz de frecuencia baja se ven como el violeta y el azul. Lucas estaba muy contento de haber aprendido sobre el arcoíris. Ahora entendía que el arcoíris era causado por la luz del sol y que los colores del arcoíris eran causados por las diferentes frecuencias de la luz."

Al final de la historia, el narrador explica a su auditorio que la luz visible es un tipo de energía que viaja en ondas. Las ondas de luz tienen diferentes longitudes y frecuencias, y los colores que vemos son causados por las diferentes frecuencias de la luz.

Puedo ayudar a mis amigos a descubrir el enorme potencial que posee el storytelling para ayudar a sus estudiantes a aprender apasionadamente. Veamos un ejemplo: "Había una vez, un profesor llamado José que era muy bueno contando historias. José sabía que las historias eran una forma eficaz de enseñar, así que las utilizaba en su aula todos los días. Un buen día, José estaba enseñando a sus alumnos sobre la revolución industrial. Juan les contó una historia sobre un niño llamado Pablito que trabajaba en una fábrica. Pablito trabajaba muchas horas y no ganaba mucho dinero. Estaba muy cansado y anhelaba mejorar su vida. Pedro se dio cuenta de que la única forma de mejorar su vida era aprender nuevas habilidades y adquirir nuevas competencias. Así fue que empezó a asistir a la escuela después del trabajo, por la noche. Estudió duro y, finalmente, consiguió un trabajo mejor."

La historia de Pablito ayudó a los alumnos a comprender la revolución industrial. Les mostró cómo la revolución industrial cambió la vida de mucha gente. También les enseñó la importancia de la educación y el esfuerzo. Al final de la historia, José preguntó a sus alumnos si creían que las historias eran una forma eficaz de enseñar. Los alumnos respondieron afirmativamente. Dijeron que las historias eran divertidas e interesantes, y que les ayudaban a comprender los conceptos fundamentales de una manera más significativa.

Observemos cómo aplicaríamos el storytelling para mostrar la correcta manipulación de los alimentos: El viaje de los alimentos. En un colorido mercado de alimentos del Ágora, vivían muchos alimentos de diferentes tipos. Allí había frutas, verduras, carnes, pescados, cereales y mucho más. Todos ellos se sentían muy felices de vivir en ese lugar, donde eran muy apreciados por las personas. Un día, un grupo de alimentos decidió emprender un viaje para reconocer el mundo. Querían ver cómo eran los humanos en otras partes del mundo y cómo los preparaban para comer. Los alimentos viajaron visitando muchos países y conocieron a muchos personas diferentes. En algunos lugares, los humanos los preparaban con mucho cuidado y respeto. En otros lugares, los humanos los manipulaban de forma descuidada, lo que los provocaba frecuentes enfermedades. Los alimentos aprendieron mucho a lo largo de su viaje. Se dieron cuenta de la importancia y enorme valor de la higiene en el manejo de los alimentos es contundente para evitar enfermedades. Cuando los alimentos finalizaron su viaje y regresaron al colorido mercado del Ágora, contaron a sus demás amigos lo que habían aprendido. Todos ellos se comprometieron a seguir las buenas prácticas de higiene para que los humanos pudieran disfrutarlos de forma segura. Moraleja: La higiene en el manejo de los alimentos es muy importante para evitar enfermedades. Todos los que manipulan alimentos, ya sean cocineros, camareros o consumidores, deben seguir las buenas prácticas de higiene para proteger la salud de las personas. Personajes: Frutas: Son alimentos saludables y nutritivos. Representan la alegría y la felicidad. Verduras: Son alimentos importantes para la salud. Representan la vitalidad y el crecimiento. Carnes: Son alimentos ricos en proteínas. Representan la fuerza y la energía. Pescados: Son alimentos ricos en omega-3. Representan la salud y el bienestar. Cereales: Son alimentos ricos en carbohidratos. Representan la energía y la vitalidad. Humanos: Son los que consumen los alimentos. Representan la responsabilidad de cuidar la salud. Temas: La importancia de la higiene en el manejo de los alimentos. Los peligros de la contaminación de los alimentos. El compromiso de todos para proteger la salud de las personas. Enseñanza: La higiene en el manejo de los alimentos es muy importante para evitar enfermedades. Todos los que manipulan alimentos deben seguir las buenas prácticas de higiene. Los consumidores también tienen un papel importante en la prevención de enfermedades transmitidas por alimentos.

Uno de los patrones de storytelling más comunes en las parábolas de Jesús es el símil. Un símil, se trata de una comparación entre dos cosas que son similares en algún aspecto. Jesús utilizó muchos símiles en sus parábolas para ayudar a sus oyentes a entender sus eel funcionamiento del Reino de los cielos. Por ejemplo, en la parábola del sembrador, Jesús comparó el reino de Dios con una semilla que se planta en diferentes tipos de suelo.

Otro patrón de storytelling común en las parábolas de Jesús es la alegoría. Una alegoría trata de una historia que tiene un significado simbólico. Jesús utilizó muchas alegorías en sus parábolas para transmitir sus enseñanzas de una manera más profunda. Por ejemplo, en la parábola de la oveja perdida, Jesús comparó a Dios con un pastor que busca a una oveja perdida. Otros patrones de storytelling comunes en las parábolas de Jesús incluyen:

La historia de la vida real: Jesús utilizó muchas historias de la vida real en sus parábolas para ayudar a sus oyentes a identificarse con las enseñanzas. Por ejemplo, en la parábola del buen samaritano, Jesús contó la historia de un hombre que fue asaltado y herido en el camino a Jericó.

La metáfora: Una metáfora es una comparación entre dos cosas que no son similares en ningún aspecto. Jesús utilizó algunas metáforas en sus parábolas para transmitir sus enseñanzas de una manera más impactante. Por ejemplo, en la parábola de la sal, Jesús comparó a sus discípulos con la sal de la tierra. La elección del patrón de storytelling más adecuado dependerá del mensaje que Jesús quería transmitir. Sin embargo, los patrones de storytelling mencionados anteriormente son una buena base para comprender las parábolas de Jesús. Hay otros ejemplos de parábolas de Jesús que utilizan patrones de storytelling como la parábola del sembrador que utiliza el recurso de símil para comparar el reino de Dios con una semilla que se planta en diferentes tipos de suelo. La parábola de la oveja perdida que utiliza el recurso de alegoría para comparar al Dios bueno con un pastor que busca a una oveja perdida. La parábola del buen samaritano que utiliza el patrón de historia de la vida real para contar la historia de un hombre que fue asaltado y herido en el camino a Jericó. La parábola de la sal que utiliza el patrón de metáfora para comparar a los discípulos de Jesús con la sal de la tierra.

Para finalizar te comparto tres importantes razones para conectar a través del storytelling. Este se conecta tan efectivamente con la forma de pensar y sentir de la mayoría de personas por varias razones. En primer lugar, las historias son una forma natural de comunicación para los seres humanos. Desde que somos niños, aprendemos a través de historias, ya sean cuentos de hadas, fábulas o relatos familiares. Las historias nos permiten conectarnos con los demás a un nivel emocional, ya que nos permiten identificarnos con los personajes y sus experiencias. En segundo lugar, las historias son una forma poderosa de transmitir ideas y valores. Cuando contamos una historia, no solo estamos transmitiendo información, sino que también estamos creando una experiencia que puede resonar con los demás. Las historias pueden ayudarnos a entender el mundo que nos rodea, a aprender sobre nosotros mismos y a motivarnos a actuar. En tercer lugar, las historias son una forma eficaz de crear una conexión emocional con los demás. Cuando nos sentimos conectados con una historia, nos sentimos más conectados con el narrador y con los demás que están escuchando la historia. Esto puede crear un sentido de comunidad y pertenencia, que puede ser muy poderoso.

Qué estés bien,

Las boutiques creativas

Boutique Creativa: Creative boutique, término acuñado al final de los años setenta en Londres, que describe un tipo de agencia de publicidad orientada fundamentalmente a la creatividad y que deja en un segundo término otros servicios. Suelen ser agencias pequeñas que se especializan en desarrollar proyectos de creatividad para anunciantes. La boutique creativa concentra todos sus objetivos alrededor de la creación publicitaria; textos, layouts, story boards, dummies, etc. Entre ellas encontramos en nuestro país muchísimos pequeños despachos de diseño gráfico creativo, muchos de éstos al ser gestionados exitosamente llegan a crecer y evolucionar hasta ser agencias de servicios completos. Son un grupo de profesionales que ofrece sólo servicios de creatividad y producción. Estas suelen ser también despachos de diseño gráfico; de estas hay un importante número, también suelen ser menos las que prestan servicios creativos multimedios. En buena medida surgen por experimentados directores creativos que se separan de una agencia de servicios plenos y no desean continuar bajo el extenso horario de trabajo que las agencias acostumbran exigir y optan por una estructura más formal que la simple autonomía o el free lancer. En inglés se suelen llamar Creatives Hot Shops, en la India sus ganancias van en aumento y su número también crece en Australia, en América latina algunos las redefinen como centrales de creativos autónomos, éstas han aumentado su número también en los Estados Unidos debido a los despidos masivos de los años 2009 y 2020 a ofertar un servicio muy personalizado.

Ofrecen una serie de ventajas a sus clientes o anunciantes, entre las que se podríamos destacar que ofrecen soluciones personalizadas las creative boutiques ofrecen soluciones a la medida, adaptadas a las necesidades específicas de cada cliente. Alta calidad en sus servicios creativos realizado por profesionales ampliamente experimentados. Precios competitivos, las boutiques creativas ofrecen un servicio a un precio más flexible y su alto compromiso con la innovación.

Un aspecto muy especializado de la publicidad consiste en la generación del mensaje creativo. Esto se refleja en el éxito de las pequeñas agencias llamadas Boutiques Creativas o Creative Hot Shops, que están apareciendo en número creciente y cuya fuerza consiste en su gran capacidad para crear de forma ágil un trabajo tremendamente creativo, sin los impedimentos que supone la compleja infraestructura y burocracia características de las grandes agencias. Estas pequeñas agencias están dirigidas por creativos publicitarios que, por lo general, han sido directores creativos de amplia experiencia que han dejado sus trabajos en grandes agencias y agendas de más de ocho horas diarias para concentrarse puramente en el producto creativo. A menudo son contratadas para añadir una visión fresca y distinta a algún proyecto y tienen la ventaja de tratar directamente con el cliente, en lugar de verse sometidos a la intervención de los ejecutivos de cuentas.

Este tipo de agencias especializadas suelen poseer organización horizontal, procesos más dinámicos, mucho mayor espacio y libertad para crear y un vínculo más directo con el cliente. La boutique creativa, suele destacar por la calidad y la dedicación exclusiva al diseño, branding y servicios promocionales o de marca relacionados con la creatividad. Se especializada en producir proyectos con alta calidad a un coste inferior a las grandes agencias. Tiene un tamaño relativamente más pequeño, con equipos de entre 5 a 30 profesionales, incluso en ocasiones inferior. Algunas están especializadas en industrias o servicios particulares, como el branding o la industria automovilística o el cuidado personal. Por lo general, tiene un costo por hora inferior a una agencia de servicios plenos.

Se trata de un grupo de profesionales de la publicidad que ofrece exclusivamente servicios de servicios creativos —ideas, contenidos y diseño— y producción. Cada vez es más frecuente incluir el factor estrategia.

También se puede observar que algunas marcas acuden a las boutiques creativas para confiar un único proyecto muy delicado al que hay que dedicarle mucho tiempo y detalle.

Dentro de la innovación que caracteriza a las boutiques creativas vamos a incluir el hecho de no contar con una estructura departamental, acuden a una estructura horizontal sin oficinas, sin jerarquía ni organigrama para fomentar el valioso producto del trabajo en equipo. Algunas crean salas de marca, espacios con el aspecto real de un mueble de atención al cliente, sala de espera, oficina de atención al cliente u otra. La finalidad, es reproducir dentro de estas la experiencia de estar dentro del territorio donde se ganan o pierden las batallas y revivir los momentos de la verdad. Otras sin embargo, mantienen su tradicional estructura departamentalizada por áreas especializadas en un grupo de servicios homogéneos.

Los proyectos que suelen desarrollar las boutiques creativas surgen de una agencia de servicios completos que desea enriquecer o completar su crew, es allí donde se acude a una boutique creativa para apoyar una campaña o bien, para dar apoyo constante a una marca. Es algo que en el pasado también hacían los creativos asociados que ocasionalmente apoyaban a una agencia en un proyecto o temporada saturada y muy llena de proyectos. En otras oportunidades los proyectos vienen de marcas que les buscan de manera directa su fuerza creativa y que valoran su agilidad, su valentía creativa, su propuesta de ideas frescas, su audacia para encontrar el mensaje pertinente. Hay algunas orientadas a las relaciones públicas y otras a la arquitectura de la marca y su identidad.

Que estés bien.

Fundamentos de la Innovación centrada en el usuario

Hoy vivimos tiempos de cambios profundos que apremian nuestra capacidad y velocidad para innovar y transformar. Para resolver problemas puedes tomar muchas rutas distintas. Una de las posibles rutas o metodologías consiste en colocar a nuestro usuario final en el centro del escenario y aprender a pensar como este piensa. En este proceso buscamos dar solución a problemas desde el interior de las organizaciones. Lo que hacemos es tomar las necesidades del usuario y desde allí partimos a crear la solución con todo esto en el foco de nuestra atención. Te inspiras en el usuario, ves los problemas y necesidades que este tiene, y construyes soluciones basadas en lo que has investigado acerca de este. Esta metodología gira alrededor de la (UX) experiencia del usuario. Su aplicación genera soluciones que de otro modo no se habrían podido implementar, permitiéndoles a los desarrolladores meterse al interior de los zapatos de sus propios clientes o usuarios. En el proceso tradicional de resolver problemas dentro de las organizaciones se partía del producto para definir la experiencia, con el Design Thinking es en el sentido opuesto. Para hacer este análisis se integran equipos multidisciplinarios, que generen tantas ideas como sea posible. Finalmente, el objetivo de ese proceso es aprender a partir de las reacciones de los usuarios al interactuar con el producto.

Enfocados en entender al usuario.

Origen. El Design Thinking surgió en San Francisco, California en los años 70 del siglo pasado, concretamente en la consultora Ideo, desarrollado por Tim Brown. La etnografía(Estudio descriptivo de la cultura popular) es de las técnicas más cruciales en un proceso de Innovación Centrada en el Usuario. Observando al usuario es cómo puedes identificar realmente cuáles son sus necesidades latentes y diseñar en consecuencia. La novedad en sí no está en la técnica, sino su aplicación: Lo nuevo es aplicarlo para solucionar problemas de negocio, explica Brown. Por supuesto, también hay técnicas de esta metodología que no se corresponden a las disciplinas anteriores, como la repetición, el proceso de validar tu idea con los usuarios.

Implementar la  Innovación centrada en el usuario, va a demandar de un tipo aparte de nuestro estilo y cultura de liderazgo; una cultura que provea de innovación eficaz en la que estamos dispuestos a dejar de lado nuestra concepción o comprensión inicial de cuál es el problema. Donde nos apoyamos con curiosidad y nos observamos y estudiamos cómo los usuarios experimentan el problema en el mundo real; una  nueva metodología cuyo proceso nos permita desarrollar empatía por su situación y luego podemos descubrir qué crea valor para sus clientes. De esta manera, podremos desarrollar la próxima versión mejorada o superada de nuestro servicio o producto al observar el panorama competitivo y las brechas en nuestros productos y hemos tenido éxito ya que hemos agregado valor.

Distingamos entre tres etapas de esta metodología, la inspiración. Todo parte de un problema. Pensemos por un momento, quieres reinventar o mejorar un producto, introducirlo en un mercado nuevo y necesitas entender la industria… Aquí empezaría la fase de observación y búsqueda. Se trata de compilar toda la información posible a nivel cuantitativo y cualitativo. En esta fase la clave está en mantener la empatía al máximo con tu usuario. Necesitas observar para encontrar incoherencias, errores y problemas. Pasemos a la ideación. Una vez has entendidos los problemas, retos y oportunidades proponemos las soluciones. Buscas las ideas o conceptos que puedan resolver los problemas que has encontrado. Finalmente pasamos a la implementación. Creas uno o varios prototipos, generas hipótesis y validas esas hipótesis con los usuarios. Mejoras el producto y lo ajustas progresivamente.

También existen otros siete elementos que forman parte de esta metodología para resolver problemas. Fracasar para aprender: El análisis de la falla debe arrojar nueva y valiosa información para mejorar nuestra solución. Prototipo: La cultura de la Innovación centrada en el usuario es llevar a desarrollar prototipos que pueden ser muy simples pero que permiten entender una idea y cómo funciona. Enfoque creativo: Se da la posibilidad de que cada integrante pueda manifestar de la manera más natural su forma de interpretar. Empatía: La cualidad que tenemos de poder entender al otro, es importante en esta metodología, pues permite hallar soluciones entendiendo el porqué se comportan las personas como lo hacen. Coexistencia de varias ideas: Impulsando el pensamiento divergente y una actitud exploratoria. Optimismo: El Design Thinking es irremediablemente optimista y cree que cualquier reto técnico, social o económico se puede resolver. Iterar: Este punto es uno de los más importantes porque permite validar las ideas durante todo el proceso del diseño.

Beneficios. La Innovación centrada en el usuario, permite generar ideas utilizando no solo el cerebro sino cualquier parte del cuerpo. En este proceso no basta con sentarse en un escritorio a pensar las ideas. Se sale de la oficina a investigar en el mismo lugar que está el consumidor o el usuario. Expone a los desarrolladores a la realidad del mercado. Al ponerse en los zapatos del consumidor, los desarrolladores de productos comprenden las necesidades a las que se enfrentan, planteando preguntas cuyas respuestas serán las mismas que se hacen los usuarios. Somete al equipo a plazos y ritmos dinámicos y exigentes. No se trata de generar productos en el largo plazo. Si se trata de ser los primeros en llegar al mercado, este método permite ser los primeros con soluciones mínimo viables. El trabajo en equipo y la creación colectiva conduce al éxito. Esta metodología reúne por lo general a profesionales de diferentes ramas, todos sentados en busca de una misma solución. El aporte de cada profesional es vital en la construcción de la idea final. Nos obliga a ponernos la camiseta del usuario y del consumidor. Ningún otro método permite ponerse los pantalones de los consumidores. Antes de entrar en el modo ejecutor, observa, escucha y aprende primero cómo se comportan y utilizan las personas los productos. Genera prototipos bajo un enfoque de permanente ensayo/error. Gracias a esta apuesta por la innovación, las soluciones a las que se llegan no se dejan de probar. Por el contrario, la aplicación de esta metodología genera versiones cada vez más perfectas de los productos.

Hace más de una década atrás y al igual que muchos otros usuarios del sistema operativo Windows y siempre nos hicimos la pregunta; porqué es tan complicado. La pantalla estaba llena de funciones con una mínima o ninguna consideración por la experiencia del usuario. En el año de 2012, Microsoft lanzó su versión de Windows 8 con cambios dramáticos que se podían detectar fácilmente; supongo que muchos aquí también pudieron notarlo. Microsoft, cambió a una interfaz de usuario (UI) mínima y características más fáciles de usar. Entonces, ¿Cuál fue el secreto oculto detrás de este cambio que no solo afectó al sistema operativo Windows sino también a todos los productos de Microsoft? Es la adopción del proceso la Innovación centrada en el usuario. Creo que en este justo y oportuno momento te podrá resultar útil este curso de Microsoft Design Thinking de 5 semanas sin costo. Para entrar hacer clic aquí.

Apple Computers, es una de las empresas líderes en el campo de la innovación y esto no podría haber sucedido sin que la empresa adoptara la Innovación centrada en el usuario. Esta es un proceso orientado a proveer soluciones muy utilizado para proveer innovación con consideraciones sobre el consumidor en el centro de todas las etapas de desarrollo. Tim Brown, presidente y director ejecutivo de IDEO, define el pensamiento de diseño de la siguiente manera: “El Design Thinking es un enfoque de la innovación centrado en el ser humano que se basa en el conjunto de herramientas del diseñador para integrar las necesidades de las personas, las posibilidades de la tecnología y los requisitos para el éxito empresarial." Apple empezó aplicando estas ideas en su proceso de diseño de productos: Las necesidades y los deseos de las personas, en lugar de simplemente enfocarnos en las necesidades de la empresa. Desarrollar empatía ayudando a las personas a amar los productos Apple. El diseño más que el trabajo de ingeniería; Los diseñadores consideran tanto la forma como la función del producto. Crear productos simples pero fáciles de usar en lugar de productos complejos y difíciles de usar. Apple, simplificó su cartera de productos a una familia de productos que se pueden producir mucho más rápidamente manteniendo los elementos de diseño existentes. Además, la empresa se centró en productos que requieren menos reparación y mantenimiento. Participación iterativa del cliente. La experiencia del consumidor debe integrarse en las etapas de diseño y desarrollo mediante la participación en las pruebas de usabilidad. Además, el diseño de las interfaces debe centrarse en la experiencia del usuario. Productos hermosos. Además de la función del producto, la forma debe ser hermosa, lo que se puede lograr mediante la innovación y el desarrollo continuos. Apple también se centró en los materiales y el proceso de fabricación y adoptó un enfoque audaz para probar nuevas ideas en lugar de ceñirse a las formas de diseño ordinarias.

La historia de Apple con la innovación ofrece una lección clara sobre cómo el diseño y la innovación pueden convertir el fracaso de la empresa en un éxito de mercado y una posición de liderazgo en un mercado competitivo. El proceso de pensamiento del diseñador ayudó a Apple a innovar mientras colocaba a sus consumidores en el centro del proceso. El período en el que Steve Jobs estuvo ausente de Apple demuestra que copiar a otros y carecer de una estrategia de innovación clara puede llevar a las empresas directamente del éxito al fracaso. Por otro lado, la innovación definitivamente puede ayudar a construir un negocio exitoso.

Double Diamond, es el nombre de un modelo creado para comprender el proceso de diseño desarrollado por el British Design Council durante el año de 2005. Está dividido en cuatro fases; Descubrir, Definir, Desarrollar y Entregar. Es probablemente la visualización de procesos de diseño más conocida y popular. La característica principal del Doble Diamante es su énfasis en el pensamiento «divergente» y «convergente», donde se crean muchas ideas, antes de refinar y reducir a la mejor idea. Lo que sucederá dos veces en el modelo Doble Diamante: una vez para confirmar la definición del problema, el reto y una vez para crear la solución. Los dos diamantes representan un proceso de explorar un tema más amplio o profundamente (pensamiento divergente) y luego tomar las medidas enfocadas (pensamiento convergente). Su proceso se puede entender en cuatro tiempos o momentos:

Descubrir: El proceso comienza cuestionando un reto y lleva a la investigación para identificar las necesidades del usuario. El primer diamante ayuda a las personas a entender cuál es el problema. Implica hablar y pasar tiempo con las personas que se ven afectadas por ellos. El proceso es divergente.

Definir: Esta fase es convergente. La información recopilada de la fase de descubrimiento nos ayuda a definir el desafío de una manera diferente. Crearemos un resumen que define claramente el desafío basado en estos conocimientos, nuestro reto.

Desarrollar: El segundo diamante anima a las personas a dar diferentes respuestas al problema perfectamente definido, buscando inspiración en otros lugares y co-diseñando con una variedad de personas diferentes. Esta se concentra en desarrollar, probar y perfeccionar múltiples soluciones potenciales.

Entregar: Esto implica probar diferentes soluciones a pequeña escala, rechazar aquellas que no funcionarán y mejorar las que lo harán. En la fase final seleccionaremos una solución que funcione y la prepararemos para su lanzamiento.

Como has logrado observar en la innovación centrada en el usuario o Design Thinking  la innovación no es una chispa aleatoria de brillantez, sino un proceso sistemático a través de múltiples fases iterativas con actividades claras y resultados definidos que es confiable y repetible para que podamos crear innovación bajo demanda.

Que estés bien,